Eureka

En renouvelant constamment formes et narrations, les spectacles de Joël Pommerat explorent la complexité de la nature humaine. Une passionnante plongée dans l’univers d’une figure majeure du théâtre contemporain. 

Il y a dix ans, Blandine Armand signait déjà avec Poésie de l’ordinaire, coproduit par ARTE, un remarquable documentaire sur le travail de l’auteur-metteur en scène Joël Pommerat, dévoilant un moment charnière de son parcours : la création de la pièce Les marchands. Exploration de l’aliénation au travail, la pièce constitue le troisième volet d’une trilogie composée d’Au monde (2004) et D’une seule main (2005), premier grand succès public et critique de la compagnie Louis Brouillard fondée en 1990. Désormais forte d’un répertoire de plus d’une vingtaine d’œuvres aux formes variées, toujours sur des textes signés Joël Pommerat (théâtre, conte, opéra…), jouées en France et à l’étranger et récompensées par les plus prestigieux prix de théâtre, la compagnie a de nouveau ouvert ses portes à la documentariste, devenue depuis une proche.

Formidable faiseur d’histoires
À l’occasion de la reprise de Ça ira (1) Fin de Louis et de la création en opéra de Pinocchio pour l’édition 2017 du Festival d’Aix-en-Provence, Blandine Armand a plongé pendant plusieurs mois au cœur d’une troupe constituée de fidèles collaborateurs motivés par une exceptionnelle aventure commune. Joël Pommerat – Le théâtre comme absolu prend ainsi la forme d’un portrait en creux inédit et rare d’un artiste qui préfère souvent se tenir loin des projecteurs, consacrant chaque moment de sa vie à son œuvre. Entre répétitions et recherches sur le plateau, interviews du dramaturge, extraits de spectacles – Cendrillon, Ma chambre froide, Le petit chaperon rouge, etc.–, d’émissions de radios, entretiens avec les comédiens, mais aussi séquence sur l'atelier de théâtre mené avec des détenus de la maison centrale d’Arles, le film dévoile avec bonheur une part des secrets de fabrication d’un formidable faiseur d’histoires.

Une série d'archives précieuses sur le travail de Patrice Chéreau puis Jacques Doillon avec les élèves de la promo 1986 à l'Ecole de Nanterre-Amandiers. Une immersion réellement fascinante !

19 élèves-comédiens (choisis parmi 2300 candidatures) de l'Ecole de théâtre des Amandiers de Nanterre, l'une des plus grandes écoles de formation d'acteurs en France, ont travaillé pendant deux ans sous la direction de deux grands noms du cinéma français, Patrice Chéreau et Jacques Doillon. De ce travail de direction d'acteurs, de leur apprentissage du théâtre et du cinéma - dont c'était la première expérience pour certains - François Manceaux a tiré trois films d'une durée d'une heure.

Réussir à aller au fond de la mise en scène pour en saisir les points clés, les différentes étapes qui permettent de faire passer à l'écran ou sur la scène, l'identité propre d'un auteur et de son univers. Chaque film est composé de reportages sur les plateaux, d'interviews et d'extraits de film, montrant toutes les étapes conduisant au produit fini : déchiffrage du scénario, répétitions, tournage, images finales.

À travers des scènes de répétition et des extraits de spectacles, des témoignages d'amis et de collaborateurs, des documents inédits sur la naissance du Théâtre du Soleil en 1964 et des images de tournées à l'étranger, Ariane Mnouchkine évoque son enfance, sa conception du théâtre, sa rencontre avec le public, son engagement politique. Depuis plus de quatre décennies, cette femme d'exception a su maintenir la cohésion d'une compagnie qui, par son travail, entend "ré-enchanter le monde".

En juillet 2003, cinquante-six ans après la création du Festival d’Avignon par Jean Vilar, Hortense Archambault et Vincent Baudriller lui succédaient en tant que codirecteurs, en proclamant leur volonté de faire renaître sous des formes contemporaines l’utopie originelle du père fondateur. Prise de risques et exigence artistiques, partage avec le plus grand nombre : tels étaient les mots d’ordre de celui qui, en 1967, alors qu’Avignon s’était installé comme un rendez-vous international majeur, n’hésitait pas à remettre en cause tous les acquis pour tenter de mieux s’ouvrir à l’avant-garde et à ses mots d’ordre révolutionnaires. Après la 67e édition du Festival, du 5 au 26 juillet, les deux codirecteurs passeront le relais à Olivier Py. L’occasion pour Nicolas Klotz et Élisabeth Perceval, qui se définissent comme des cinéastes politiques, de revenir sur une décennie de scène, d’expérimentation et de débats à l’aune de l’utopie testamentaire de Jean Vilar.

Rêves de théâtre

Pour capter ce qui fait l’alchimie unique d’Avignon, et l’essence de ce qui s’y joue chaque année entre artistes et public, les auteurs confrontent les archives du festival en 1947 et 1967 aux images et aux mots d’aujourd’hui, filmés tout au long de l’année 2012. Certains des metteurs en scène et comédiens emblématiques du théâtre contemporain, dont certains des "artistes associés" du Festival - Simon Mac Burney, Thomas Ostermeier, Romeo Castellucci, Dieudonné Niangouna et Stanislas Nordey, Arthur Nauzyciel, Christophe Honoré, Nicolas Bouchaud, Valérie Dréville… - dialoguent ainsi avec les deux codirecteurs, les ministres de la Culture Frédéric Mitterrand et Aurélie Filipetti, mais aussi des spectateurs, célèbres ou anonymes. Et les extraits de certains des spectacles qui ont marqué la cour d’honneur de leur empreinte (Le Maître et Marguerite, La mouette, Nouveau roman, The four seasons restaurant, Un ennemi du peuple…) font écho au chantier de la FabricA, la nouvelle salle de répétitions aux dimensions de la cour d’honneur qui sera inaugurée cette année.La scène contemporaine réussit-elle encore à capter le réel et le monde pour permettre de les comprendre et de les critiquer ? Oui, répondent sans ambiguïté les auteurs de La blessure et de La question humaine, au fil de ce documentaire sur la "ville-théâtre", filmée durant le festival 2012, mais aussi avant et après. Pour tenter de refléter ce que la création a d’impalpable et de mouvant, leur film juxtapose en liberté les images d’hier et d’aujourd’hui, les mots, les mots d’ordre, en un collage impressionniste qui s’apparente au rêve.

En 2008, quelques mois avant sa mort, Pina Bausch décide de reprendre son fameux spectacle "Kontakthof", non plus avec sa troupe, mais avec des adolescents de 14 à 18 ans qui ne sont jamais montés sur scène et n'ont jamais dansé. Ce documentaire est leur histoire.

Cette deuxième saison de Let’s dance regarde la danse à travers trois de ses grandes figures : la danse en groupe, le duo et le solo.

Elle s'approche au plus près de la pratique même des danseurs, captant l’effort, la rigueur, la sensualité, l’énergie, la peur, la jubilation, la réflexion et les doutes qu’impose chacune de ces trois formes. Et donne à voir la danse dans toute sa richesse, à travers de multiples rencontres et pratiques, du contemporain au classique (l'opéra de Paris) en passant par des formes plus populaires (hip-hop, tango, lindy hop, chorégraphie bollywoodienne, new burlesque, shows protéiformes de Christine and The Queens…). Outre les séquences tournées sur le vif (démonstrations, scènes, répétitions), les nombreuses archives rappellent aussi, en un kaléidoscope éblouissant, la généalogie et les précurseurs de ces formes, de Nijinski à Joséphine Baker, de Valeska Gert à Loïe Fuller, de Fred Astaire à West side story. Quel ADN commun partagent une étoile de l'opéra et une pop star ? Pourquoi le folklore refait-il surface ? Tissant filiations et ressemblances, au fil d'échos et de rapprochements audacieux, un voyage d'une intelligence virtuose et joyeuse, qui entraîne irrésistiblement le spectateur dans le tourbillon de la danse sans jamais le perdre.

Inséparables et complices depuis l’enfance, Lukas, Syvert et Torgeir, sont trois jeunes danseurs qui partagent le même rêve : intégrer l’Académie de ballet d’Oslo. Mais les places sont chères et les opportunités rares. Acharnés à réussir, à se perfectionner et à faire de leur corps l’instrument parfait, ils nous emmènent dans leur quotidien rythmé par la dureté des entraînements et le stress des auditions. Autant d’épreuves qu’ils sont prêts à surmonter pour, un jour, devenir danseur étoile.

La danseuse et chorégraphe espagnole Rocío Molina relève l'un des défis les plus captivants de l’histoire du flamenco moderne : la création d'un nouveau spectacle pour le Théâtre National de Chaillot à Paris. Premier Prix National de danse à l’âge de 26 ans et danseuse étoile mondialement reconnue à 30 ans, Rocío Molina repousse sans relâche les limites du Flamenco traditionnel. Preuve de sa modernité sans concession, ses improvisations (Impulsos) sont un exercice inédit. Impulso explore ce qui fait de Rocío Molina une danseuse hors norme, l’enfant terrible du flamenco moderne : la transgression systématique des règles, sa recherche permanente du point de rupture y compris avec son corps, et sa façon très personnelle de questionner la condition féminine au XXIème siècle.